中国画

小时候，老师讲过一个故事，主人公是一个名叫王冕的放牛娃。王冕家里很穷，他每天帮家里放牛的时候。别的小朋友在玩，他却仔细观察水里的荷花，用木棍画画，后来终于成为一位大画家。

可惜至今未见到王冕的荷花图，梅花图倒还不少。现藏于上海博物馆的王冕《墨悔图》，梅花倒挂，花繁盈枝，如玉屑银珠，清香之气满纸。王冕另有一首题画诗曰：“吾家洗砚池头树，个个花开淡墨痕。不要人夸好颜色，只流清气满乾坤。”王冕画的梅花，以形写神，是典型的写意画。

中国画按照题材一般分为山水、人物、花鸟三类，按照表现手法又分为工笔、写意两类。工笔画多见于宫廷绘画，文人画家则多以写意见长。

意境是文人画的神髓。意境多依靠画家们所塑造的意象来传达，这些意象或是有象征意味的花鸟草虫，或是空濛淡远的山水云雾。或是寄托比兴的传奇人物。中国画与书法、印章、诗歌并称，诗书画印四绝是许多文人画家的追求。

唐代诗人王维是文人画的早期代表，其画与诗更是密不可分。苏东坡评价说：“味摩诘之诗，诗中有画；观摩诘之画，画中有诗。”当代著名学者钱锺书评价王维诗境是一流的画境。

宋代画家李唐的绘画成就很高。后来他与夏圭、马远、刘松年合称“南宋四大家”。李唐48岁那年，皇家画院招考，试题“竹锁桥边卖酒家”其实就是一句诗。很多人都在“酒家”上下工夫，唯有李唐，只画小桥边的竹林深处，斜斜伸出一幅酒帘。宋徽宗太为赞赏，钦点为第一名。这也是中国画“诗画不分”的一个例证。

经过数代积淀，花鸟画中的梅、兰、竹、菊成为文人画的经典题材，被称为“四君子”：梅象征高洁，兰寄意幽雅，竹比喻清高，菊代表傲骨。写意山水画中的淡远清雅之境也为历代文人画家所推崇。宋代米芾、米友仁父子的“米点山水”以及元代倪云林等的山水堪为典型。倪云林的《渔庄秋霁图》是写意画的佳作：近处几株枯树，远处一带山峦，中景为一片空濛的水域。体现出画家以简驭繁的高超画技以及寄情山水的淡远、超然。

当然，并不是所有的中国画都是这样的表达方式。中国画的写实一路，也经历了相当漫长的发展过程。

原始社会遗留的器物上就有写实绘画的遗迹，如河南出土的“鹳衔鱼”彩陶缸。陶缸上画的鹳眼大而圆，喙长而尖，形象特征十分鲜明，旁边画着一把带柄的斧，正是当时生活的写照。汉代，绘画开始进入宫廷，也出现了宫廷画家，即《后汉书》中的“黄门画者”。历史上赫赫有名的毛延寿，曾为王昭君画像。他就是汉元帝时的黄门画者。在人物画方面，魏晋南北朝时的顾恺之、陆探微、张僧繇被誉为“六朝三杰”。顾恺之的绘画，《女史箴图》和《洛神赋图》最有名。相传顾恺之画人物，好几年不画人眼，别人问他原因，他说：“传神写照。正在阿堵中。”

无论山水、花鸟还是人物。也无论是写意还是写实，比画技更要紧的是“写心”，即抒写画家内心的感受和追求。相对而言，技法只是外在的手段。

譬如。山水的可居、可观、可游，充分反映了文人寄情山水的愿望。山水画的皴法、点法直接影响作品风格，构图的选择也会使作品画面迥异。唐代李思训创立青绿山水，运用色彩来表现春山秋水：五代董源创立水墨山水，运用披麻皴、点子皴来表现江南的山山水水；宋代郭熙提出山水画构图“三远法”——高远、深远、平远，同时，他还注意到山水四季的变化，概括出“春山淡冶而如笑，夏山苍翠而如滴，秋山明净而如妆，冬山惨淡而如睡”的特征。总的来说，所有的山水画技法，无非在于表现山水l的可居、可观、可游。

唐代裴曼剑舞、李白诗歌、张旭草书被称为“三美”。有一天，裴曼遇见著名画家吴道子。想请他为自己故去的亲人作壁画。吴道子不要金银，却对裴曼说：“裴将军舞舞剑来看，就可以了。”裴曼持剑起舞，“走马如飞，左旋右转。掷剑入云。高数十丈，若电光下射”。吴道子看后，激动无比，挥毫图壁，飒然风起，有若神助。正好张旭在场，乘兴也写了满壁草书。吴道子作画，张旭草书，都借助于当时的惰与兴。其实，剑术也好，书法、绘画也罢，在“载道寄情”上是相通的，与自然之“道”也是一致的。这就是中国画由技达情到写心的特有过程。

“外师造化，中得心源”。是中国绘画史上的不朽名句。艺术的灵感从造化中来，造化是生活，是宇宙，画家的内心感受它，再把自己的感受通过绘画表达出来。中国画的造型与表达方式，处处展露着个体生命与大自然的和谐共生。

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